William Blake – The Spiritual Form of Nelson Guiding Leviathan

Was ist auf dem Bild zu sehen?

Im Mittelpunkt steht eine fast unbekleidete männliche Gestalt. Ihr Körper ist frontal zu sehen, die Arme sind weit nach beiden Seiten ausgestreckt. Die Haltung wirkt ruhig, fest und beherrscht. Der Kopf ist von einem leuchtenden Kreis umgeben, der an einen Heiligenschein oder eine strahlende Sonne erinnert.

Unterhalb der Figur wird das Bild wesentlich unübersichtlicher. Ein dunkler, schlangenartiger Körper windet sich um ihre Beine. Er gehört zum Leviathan, einem gewaltigen Meereswesen aus der Bibel. Zwischen seinen Windungen und an den Bildrändern tauchen weitere Körper, Köpfe und Gliedmaßen auf. Einige wirken verdreht oder bedrängt. Blakes erweiterter Titel bezeichnet sie als die in den Windungen des Monsters eingeschlossenen Nationen der Erde.

Ein natürlicher Schauplatz ist kaum erkennbar. Es gibt keinen Horizont, keine glaubhafte Meeresoberfläche und keinen Raum, den wir gedanklich betreten könnten. Goldene, rote, blaue und dunkelbraune Farbflächen fließen ineinander. Was wie Feuer, Wasser, Wolke oder Körper erscheint, lässt sich nicht immer eindeutig voneinander trennen.

Ruhe im Zentrum, Unruhe an den Rändern

Blake baut das Bild um einen starken Gegensatz auf. Nelsons Gestalt steht senkrecht und vergleichsweise ruhig in der Mitte. Die ausgebreiteten Arme bilden eine breite Waagerechte. Zusammen erinnern diese Richtungen an die Form eines Kreuzes und geben der Figur eine monumentale Stabilität.

Um Nelson herum herrscht dagegen Bewegung. Der Leviathan windet sich, Körper überschneiden sich und die farbigen Formen scheinen in verschiedene Richtungen zu drängen. Die zentrale Figur bleibt davon scheinbar unberührt. Sie erscheint heller, klarer und stärker geordnet als ihre Umgebung.

Auch die Farben verstärken diesen Gegensatz. Warme Gold- und Gelbtöne lassen Nelson leuchten, während dunklere Blau-, Rot- und Brauntöne das Ungeheuer und die eingeschlossenen Figuren bestimmen. Die räumliche Enge steigert die Wirkung. Zwischen dem übergroßen Helden, dem Monster und den bedrängten Körpern bleibt kaum freier Raum.

Warum Nelson nicht wie Nelson aussieht

Horatio Nelson hatte in Kämpfen das Sehvermögen auf einem Auge und seinen rechten Arm verloren. Auf bekannten Porträts erscheint er in Marineuniform und mit seinen Orden. Blake verzichtet auf all diese individuellen Merkmale. Seine Figur besitzt zwei ausgestreckte Arme, trägt keine Uniform und ist keiner bestimmten Situation des Jahres 1805 zugeordnet.

Genau darin liegt die Bedeutung der Formulierung „spiritual form“. Blake will keine äußerliche Ähnlichkeit erzeugen. Er zeigt eine Gestalt, die Nelsons historische Person in eine überzeitliche, geistige Erscheinung verwandelt. Der verletzliche menschliche Körper wird durch einen scheinbar vollkommenen und nahezu übermenschlichen Körper ersetzt.

Diese Verwandlung lässt sich als Apotheose bezeichnen. Damit ist die Erhebung eines Menschen zu einer heroischen oder beinahe göttlichen Gestalt gemeint. Nelson wird nicht einfach porträtiert. Er wird zum Bild einer Macht, die über individuelle Körperlichkeit und historische Zeit hinausreichen soll.

Nelson und der Sieg von Trafalgar

Admiral Horatio Nelson führte 1805 die britische Flotte in der Seeschlacht von Trafalgar gegen die verbündeten französischen und spanischen Schiffe. Großbritannien errang einen entscheidenden Sieg, Nelson wurde während der Schlacht jedoch tödlich verwundet. Sein Tod verstärkte seine öffentliche Verehrung. Aus dem erfolgreichen Admiral wurde ein nationaler Held.

Blakes Gemälde entstand in den Jahren, in denen dieses Heldenbild aufgebaut wurde. Trotzdem entspricht es nicht der üblichen Form staatlicher Erinnerung. Es zeigt weder Nelsons Uniform noch britische Flaggen, Schiffe oder den Augenblick seines Todes. Stattdessen übersetzt Blake den historischen Konflikt in eine persönliche Bildsprache aus geistigen Kräften, biblischen Monstern und menschlichen Körpern.

Das unterscheidet das Werk deutlich von zeitgenössischen Machtbildern. Während Antoine-Jean Gros Napoleon in einer scheinbar beobachtbaren historischen Szene auftreten lässt, löst Blake Nelson aus der sichtbaren Wirklichkeit. Das politische Ereignis wird zu einer Vision.

Was bedeutet der Leviathan?

Der Leviathan erscheint in mehreren Texten der Bibel, besonders eindrucksvoll im Buch Hiob. Dort verkörpert er eine gewaltige, vom Menschen kaum beherrschbare Macht des Meeres. Im Laufe seiner Wirkungsgeschichte konnte das Wesen für Chaos, Gefahr, zerstörerische Gewalt oder eine übermenschliche Macht stehen.

Bei Blake erhält das Ungeheuer zusätzlich eine politische Bedeutung. Das Gemälde besitzt mit The Spiritual Form of Pitt Guiding Behemoth ein Gegenstück. Nelson ist als Admiral mit dem Meereswesen Leviathan verbunden; der britische Premierminister William Pitt lenkt den landgebundenen Behemoth. Beide Bilder verbinden führende Männer des Krieges gegen Napoleon Bonaparte mit biblischen Urwesen.

Auffällig ist das Wort „guiding“ im Titel. Nelson tötet oder besiegt den Leviathan nicht. Er lenkt ihn. Dadurch bleibt ihr Verhältnis mehrdeutig. Beherrscht der Held die zerstörerische Gewalt des Seekrieges? Bedient er sich ihrer? Oder zeigt Blake, dass militärischer Ruhm ohne diese Gewalt gar nicht denkbar ist?

Verherrlichung oder Kritik?

Auf den ersten Blick scheint Nelson eindeutig erhöht zu werden. Er steht aufrecht, leuchtet golden und beherrscht die Bildmitte. Seine ruhige, idealisierte Gestalt unterscheidet sich stark von den verzerrten Körpern um ihn herum. Eine patriotische Lesart liegt deshalb nahe: Der Admiral erscheint als ordnende Kraft, die ein gefährliches Wesen kontrolliert.

Gegen eine einfache Heldengeschichte spricht jedoch das Leiden der übrigen Figuren. Nach Blakes erweitertem Titel sind in den Windungen des Leviathans die Nationen der Erde eingeschlossen. Ihre Körper wirken eingeengt und gequält. Nelsons strahlende Ruhe erhält dadurch eine beunruhigende Kehrseite.

Das Bild kann daher auch als Frage nach dem Preis des Ruhmes verstanden werden. Der Held erhebt sich über ein System aus Krieg, Gewalt und unterworfenen Menschen. Ob er dieses System beherrscht oder von ihm getragen wird, entscheidet die Darstellung nicht eindeutig.

Für eine Bildinterpretation ist diese Offenheit wichtig. Du musst dich nicht vorschnell zwischen „Lob“ und „Kritik“ entscheiden. Überzeugender ist es, die sichtbaren Gegensätze zu untersuchen und zu erklären, weshalb beide Lesarten im Werk angelegt sind.

Blakes „Fresko“ war kein Wandgemälde

Blake bezeichnete die in seiner Ausstellung gezeigten Bilder als „Fresken“ oder als wiederhergestellte alte Freskomalerei. Technisch handelt es sich bei diesem Werk jedoch nicht um ein auf feuchten Wandputz gemaltes Fresko. Blake arbeitete mit Temperafarben auf einer transportablen Leinwand.

Der Begriff gehörte zu seinem künstlerischen Programm. Blake wollte an die große religiöse und historische Kunst früherer Zeiten anknüpfen und zugleich ein eigenes Verfahren entwickeln. Er dachte nicht nur an kleine Bilder für private Sammler. Einige seiner Kompositionen stellte er sich in monumentaler Größe an öffentlichen Gebäuden vor.

Material und Anspruch stehen dabei in einer auffälligen Spannung. Das erhaltene Gemälde ist kleiner als einen Meter hoch, sollte gedanklich aber eine monumentale Vision vertreten. Seine dunkle, dichte Oberfläche verlangt eine Betrachtung aus der Nähe, während die ausgebreitete Figur wie für eine riesige Wandfläche entworfen erscheint.

Die eigene Ausstellung von 1809

Blake zeigte das Gemälde 1809 in einer Ausstellung, die er selbst in Räumen über dem Geschäft seines Bruders in der Londoner Broad Street organisierte. Er veröffentlichte dazu einen ausführlichen Descriptive Catalogue. Dieser Katalog erklärte nicht nur die ausgestellten Werke. Er diente Blake zugleich als Manifest seiner Vorstellungen von Kunst.

Die Ausstellung umfasste religiöse, literarische, historische und visionäre Arbeiten. The Spiritual Form of Nelson Guiding Leviathan stand im Katalog an erster Stelle. Blake präsentierte sich damit nicht bloß als Illustrator oder handwerklich arbeitender Kupferstecher, sondern als selbstständiger Schöpfer einer anspruchsvollen nationalen Kunst.

Der erhoffte Erfolg blieb aus. Nur wenige Menschen besuchten die Ausstellung, keines der ausgestellten Gemälde fand dort einen Käufer, und die einzige ausführliche zeitgenössische Rezension griff Blake und seine Kunst scharf an. Was er selbst als Erneuerung der großen Kunst verstand, erschien dem Kritiker unverständlich und schlecht ausgeführt.

Gerade dieses Scheitern macht die Ausstellung kunsthistorisch interessant. Blake wartete nicht darauf, dass eine Akademie oder ein einflussreicher Auftraggeber seine Werke anerkannte. Er schuf einen eigenen Ausstellungsort, veröffentlichte seine eigene Erklärung und versuchte, sein Publikum unmittelbar anzusprechen.

Warum das Werk auf dem Weg in die Moderne wichtig ist

Blake wollte ältere, aus seiner Sicht bedeutende Kunstformen erneuern. In diesem Sinn verstand er sich nicht einfach als moderner Erfinder, der jede Vergangenheit hinter sich ließ. Dennoch besitzt sein Vorgehen Züge, die für die spätere Moderne wichtig werden.

Seine persönliche Imagination beansprucht Vorrang vor äußerer Wahrscheinlichkeit. Er malt keine gemeinsam bekannte Wirklichkeit, sondern entwickelt ein eigenes System aus Bildern, Texten, religiösen Vorstellungen und politischen Bezügen. Wer das Gemälde verstehen möchte, muss sich auf diese individuelle Bildwelt einlassen.

Zugleich versucht Blake, die Bedingungen seiner Öffentlichkeit selbst zu bestimmen. Ausstellung, Katalog und Bild gehören zusammen. Der Künstler schafft nicht nur das Werk, sondern erklärt es, organisiert seine Präsentation und tritt mit einem eigenen Kunstverständnis an das Publikum heran.

Das macht ihn nicht automatisch zu einem modernen Künstler im heutigen Sinn. Es zeigt aber eine Entwicklung, die für die Moderne entscheidend wird: Künstler können sich bewusst gegen etablierte Erwartungen stellen und eigene Wege suchen, selbst wenn Anerkennung und wirtschaftlicher Erfolg zunächst ausbleiben.